奥地利专家谈奥尔夫教学法
（1988年撰，记录整理稿）

　　今年 8月，在中国音协音教委与原北京师范学院联合举办的“奥尔夫学校音乐教育法培训班”上，奥地利音乐教师沃尔夫冈·哈特曼、曼努埃拉·凯克莱维克和彼得·库巴什应邀来华教学，使我们对奥尔夫教学法有了较深入具体的了解和认识。对于奥尔夫教学法的理论，他们虽未作长篇大论的阐述，但在教学过程中，在报告会、答疑会等活动中，有许多简短的论说，对于我们进一步学习、运用和研究奥尔夫教学法具有重大的价值。现将个人笔记所及的部分内容归纳整理于下，以供同行们参考。为了简省篇幅，本文将他们各自零散的谈话归并成段。尽管笔者想尽可能忠实地表述他们的原意，但经翻译、笔记、成文等多层转折，难免有所出入，不够准确甚至是谬误之处，当系笔者之责。文中数处“不”字，并非笔误或排印之误，而是其观念的准确表述，敬请读者注意。

　　一、关于奥尔夫教学法

　　奥尔夫首要的是艺术家，不是教育家。他只是给了我们一种思想和力量──达到人类的最高智慧。从对这种思想的研究和运用中，产生了奥尔夫教学法，并在实践上证明了它的科学性。奥尔夫教学法，归根结蒂只是一种思想。奥尔夫教学法不是一种教学生很快地学会歌唱、奏乐的方法，而是让学生接触音乐实践。如果孩子喜欢音乐，他就能唱好奏好。奥尔夫教学法面向全人类，它能和每一种文化融合，贡献是巨大的。奥尔夫教学法是不断发展的，同样采用这个教学法的教师，在具体教学上也不会完全一样，甚至可能是相反的。我们到中国来，只是想告诉你们，我们是怎样做的，至于那些适合你们，适合什么年级的学生，这些要根据你们的感觉。
我们非常崇敬中国的古老文化，也希望你们能从我们的做法中吸取到你们所需要的东西。当今世界的声音、语言、动作、演奏，都有新发展。二十世纪的专业音乐创作也影响着元素性的音乐教育。奥尔夫学院把眼光向外看，把这些新发展与奥尔夫教学法的发展联系起来，这是我们经常注意的。现代的各种影响，使奥尔夫教学法的发展可能性更大，方法更多了。现代音乐与元素性音乐的圈子正在对口、合拢，正在逐渐地联合统一起来。

二、关于元素性音乐

　　 元素性的音乐( Elementave Music)，也可说是“原始性”或“原本性”的音乐，也可理解为“回到人的本原”，还含有“中心的”、“重点的”这些意义，这个词的含义相当丰富。这种音乐离开物质性之外，注重人的基本感受、体验等精神性的方面。这种感受、体验的获得，不是由于教师的操作，而是由学习者通过自身的活动自发地达到。中国的京剧和元素性音乐有不少共同之处，都包括了音乐、舞蹈的所有基本因素在内。元素性的音乐不仅适用于小学生，也适合各年级的学生、成人，甚至音乐家。

　　三、关于奥尔夫教材

　　奥尔夫教材最初只有谱子，没有文字。因为要发表、出版，要让别人了解，总得成书，总得加上文字。奥尔夫教材只是提供了一些教学的模式，一些例子，指出了一些可能性，这些都不是重要的，重要的是它所体现的一种思想、一些原则。奥尔夫本人从不认为他自编的教材永远不可变。我们不希望你们采用欧洲的教材，而只用奥尔夫的思想。中国有许多美丽的神话故事，还有儿童自己画的画，都可以编成很好的儿童舞蹈剧。

　　四、关于音乐教育

　　教育的目的在于人。音乐教育，音乐只是手段，教育人才是目的。教学的目的是不重要的，重要的是教学的过程。“让孩子们自己去寻找，自己去创造音乐是最重要的。”这是奥尔夫说过的话。音乐主要是艺术，但学习音乐也必须熟悉它的规则。无论是节奏语言，还是其它内容的教学，都要自然，不一定要充满音乐性。音乐中的对比因素，在课堂教学的纪律方面也有所体现，如吵闹之后的安静等。所以，音乐教育归根到底是人的教育。

　五、关于音乐、舞蹈的概念

　　音乐，不只是音乐的本身，还包括舞蹈、语言等。节奏把音乐、舞蹈、语言联系在一起。音乐只是一种隐语，它没有十分明确的含义。对于一个问句( 乐句 )，的回答( 答句 )，可以有多个不同的答案。正如我们问孩子喜欢玩什么。孩子可以作出许多不同的回答──玩球、吹笛子等，什么都可以，但问句是同样的一句话。音乐也是如此。每个交响乐队的组织结构大体上都是一样的，但每位作曲家的每个作品都不一样。
　　孩子们自己的创作，虽然总是比较简单、稚拙，但对他们说来，这就是“我们的交响乐”！这种本来是“我们自己的”( 并非由作曲家创作的 )交响乐，在西方却常常是被人遗忘了。今天唱歌的概念与以前的不一样，以往每个音都得有固定的音高，现在象“　、　　　　、　　　”这类形式也是唱歌，不一定要讲求优美的旋律。在元素性的音乐里，要把习惯的舞蹈概念抛弃，完全依据音响来动作。这里没有技术性的要求，不是要学会什么，关键是要他愿意去干。

　　六、关于教学内容与方法

　　从孩子们开始学习时起，唱歌就很重要。不喜欢唱歌的孩子是不健全的。唱歌是音乐教学最重要的出发点。声乐曲中的歌词容易吸引人的注意，器乐曲就可以任人自由想象。要求孩子设计舞蹈，最好还是根据器乐曲。
　　将孩子们引入传统的记谱法，要化很多的时间。只有人们能使用谱来唱和奏时，谱才有意义。对于初受音乐教育的孩子，不要求他们会读谱，有视觉形象就可以了( 如图形、记号等，这些还往往是孩子自己设计的 )。开始时应该简单些，有两个形象就行。
　　听，也要通过多练，音乐不是只要通过多听就能学会的。当孩子们在一起演奏的时侯，他就必须注意听别人奏出的声音。听，不能排斥练。仅仅听了之后，就要求他去模仿，是不行的，还必须通过练。
　　以前许多教学法都要求孩子模仿，我们却与此相反，是要孩子“预知”，即先要有很长的准备时间，如做许多游戏等，最后才让他即兴创作。创作所需要的一切，他在前面的准备中都早已知道了。给孩子很少的音乐材料( 例如两小节或一小节的节奏型 )，要他们加上变化，其中有取之不尽的可能性，可以加上曲调、配上和声等，孩子们可以做许多事情。这些意味着可以不必依据很多的东西去创造音乐。开头要简单，以后再加上变化、重复，逐步复杂完整，象小苗长成大树那样地去建造“奥尔夫音乐大厦”。孩子们亲眼见着它怎么“长大”，对于最后的结果，就不必惊叹“这多么伟大”！值得惊奇的是自己的创造力。这样，他们的音乐感必然就更好。对于孩子的个人创作，让他们两两互相交流修改，这种协作很重要。在这样的活动中，不能老是让一个孩子引导着另一个孩子，要交换，让每个人都有机会当引导者。分组创作活动可以使孩子们互相协作，发挥想象力，不受命于老师，自己去创作。较差的孩子可以通过模仿别人来学习。我们比较忌讳每组有个“头”，要注意给较差的孩子提供当“第一个”的机会，要让每个孩子都感到自己很重要。
　　评论孩子的创作有两条标准：1、对不对；2、好不好。第一条指是否符合预定的创作要求，这是客观性的，答案是肯定的，“对”或是“不对”。如果孩子的创作不对，老师不宜简单地说：“你错了”，使他觉得难堪，而要清楚地说明他哪里不对，使他心服。第二条标准的主观色彩浓，答案可以是多样的。当教师择定一个孩子的创作，要求全体统一采用时，必须说明它为什么好。
　　如何训练孩子欣赏音乐？可以是让孩子们有充分准备的，也可以不经任何准备。比如我们在课上用手指弹杯子发出声音，吸引孩子们，他们对这声音有兴趣，就会更专心地听音乐，这是直接的方法，和有准备的是两种不同的方法。当然，还有别的办法。
奥尔夫教学法要求孩子经常活动，如果让他们坐了很长的时间，就不符合“奥尔夫精神”。利用孩子们都喜欢的教具上课，很有好处。

　　 　　七、让孩子们自己去做

　　孩子是教学活动中最重要的因素。教学活动，主要是孩子的活动，教学的最终结果，要在孩子身上体现出来。让学习者自己去做，这是奥尔夫的思想中最重要、最基本的一点。每个孩子可以根据自己的条件做他愿做的事，给他一个任务，目标不是明确的，他怎么去做并不重要，重要的是做的本身。
许多孩子将来不是音乐家，而是听音乐的人。孩子通过自己的积极参与音乐实践活动，就会成为积极的音乐欣赏者。老师心里想的是孩子，孩子比音乐更重要。不能按对待音乐家的观念来看待孩子的创作。对孩子教学要很耐心，进度不要太快，要使大家都跟得上。任何一项教学内容，不要使孩子感到困难，要使他们始终只是在游戏，是在跟音乐家合作。如果一项教材一下子接触比较多的新内容，孩子们比较紧张，就不能这么多，应该使之短小、简单些。一项练习，在程度较好的孩子学会了的时侯，我们并不是立即给新的东西，而是要等较差的孩子也会了，才给新的。在教学中，如果发现学生对某一项要求干得好，就要求作更难些的练习。许多的练习，有时可以由孩子来领着大家做，让他当老师。虽然有的孩子在这种时侯表演得十分平庸，但这样能使他向别的孩子学到许多东西。并不是在一节课上只给孩子做一种节奏的练习，而是依据孩子的兴趣来确定这段教学时间的长短。教学活动中的一些规则，由孩子们自己来制定，他们更愿意遵守。在统一的规则下，孩子各自加上可能的变化，他们就觉得更有趣味。

（选自《秦德祥音乐教育论文选》第41页—46页。）